BMX

El BMX es un deporte que se subdivide en varias modalidades entre las cuales se encuentra el flatland, el bmx flatland es lo que el patinaje artistico es para el el patinaje, su nombre flatland que traduce terreno plano, consiste en ejecutar trucos o acrobacias sobre la bicicleta sin apoyar los pies en el suelo, los trucos son de libre elección y lo que más premia en esta modalidad es la originalidad y la dificultad, entre más rebuscados y dificiles de ejecutar sean los trucos mejor se valoran los practicantens.

Los origenes:Este deporte nace oficialmente ayá en los años 60 en el área de california y fué inspirado en el motocross, un deporte que ya contába con numeros adeptos en aquel entonces.

La bicicleta en los inicios del flatland: Debido a su deporte padre, el motocross, en los icicios de esta modalidad se empleában bicicletas bastante pesadas y dotádas de artilujios como el rotor que permitía girar el manubrio de manera ilimitada sin causar un enredijo en las guayas, llevar frenos adelante y atrás era tambien indispensable.

La bicicleta en la actualidad: Como todo en el mundo el que vivimos el flatland ha evolucionado y continúa en plena evolución al igual que la tecnica de fabricación de bicicletas. Actualmente se fabrican bicicletas mucho más libianas y con curvaturas que permiten al practicante maniobrar con más soltura. Actualmente no se utilizan los frenos traceros y hay muchos practicantes que prefieren no tenerlos en absoluto, esto para hacer que los trucos sean aún más dificiles y originales.

El atuendo:Como en cualquier deporte es necesario bestir adecuadamente por razones prácticas y de seguridad. En muchos deportes es reglamentaria la manera de vestir, en el flatland no, no obstante es necesario tener en cuenta dos aspectos a la hora de elegir la indumentaria.

la comodidad:Debemos primero que todo sentirnos cómodos para así poder ejecutar con mayor soltura los trucos pero sin poner en riesgo la seguridad.

La seguridad:Es necesario tener en cuenta que en este como en cualquier otro deporte o quizas aún más por el hecho de ser un deporte extremo, las caidas son el pan de cada dia y debemos estar preparados tanto fisica como mentalmente para ello, por lo que se debe pensar en proteger sobre todo las piernas que son las que más se ven afectadas. Por ejemplo un bluejean ofrece mayor protección que una sudadera, es aconsejable tambien llevar canilleras, coderas,rodilleras y casco para ofrecer mayor protección. Unos zapatos con zuela fuerte y enpeine abollonado protejen los pies y dan más seguridad al practicante.

La actitud mental:El aspecto más relevante para practicar con éxito este deporte artistico es la actitud mental y sin una actitud mental correcta no se puede surgir en la practica del flatland ya que como se mencionó arriba las caidas son el pan de cada dia y pueden ir desde caidas muy leves que solo dejarán ligeros raspones hasta caidas mucho más severas en las que pueden haber fracturas graves. En la practica he podido constatar que la gravedad de la caida va en función del grado de miedo que se tenga en el momento de realizar la acción por lo que es necesario una actitud mental muy positiva. También se debe ser muy perseverante para conseguir aprender los trucos que cada vez son más dificiles.

Los espacios: Una de las grades ventajas de este deporte es que no es demasiado exigente en cuanto a espacios pues lo unico que se requiere es de un terreno lo suficientemente plano y amplio, preferiblemente no inferir a unos 10mtrs cuadrados.

Como aprender el flatland: Al ser el flatland un deporte que actualmente en muchos lugares solo cuenta con el apoyo que los padres de familia pueden dar a sus hijos, no se tiene registro de muchas escuelas a donde se pueda ir y aprender de un intructor, motivo por el cual el aprendizaje del flatland se lleva acabo de la manera mas informal, es decir observando videos e intercambiando ideas con los compañeros que lo practican.

hip-hop

Arte-Urbano - el hip hop se hace hueco en las calles de la ciudad.

Son poco más de las seis de la tarde y tres jóvenes con muchos proyectos irrumpen en la redacción. Ilusión y ganas no les faltan y poco a poco están consiguiendo impulsar en la ciudad la cultura del hip-hop. El aforo de más de 500 personas en el concierto de ToteKing el pasado sábado en la fábrica de Tornillos es un hecho. "La verdad es que la valoración que hacemos del concierto es muy buena. El propio artista se mostró encantado con la acogida del público y el sonido de la Fábrica de Tornillos", subraya Adrián Pérez, uno de los miembros.

La Asociación Juvenil Miranda Arte-Urbano lleva en funcionamiento desde el pasado mes de mayo. Todo surgió en 2007 con el viaje de fin de estudios programado por los alumnos."Empezamos a movernos con la idea de sacar dinero para el viaje y organizamos un concierto. A partir de ahí salió bien la cosa y hasta ahora", comenta Charli.

Desde julio de 2007 hasta mayo de 2008 estuvieron inmersos en la dura batalla que supone presentar a tiempo todo el papeleo y pasar todos los trámites burocráticos para convertirse en una asociación y estar inscritos tanto en el Ayuntamiento como en la Junta de Castilla y León. En la actualidad forman parte de en la asociación seis personas aunque cerca de una veintena colaboran en toda la planificación, producción y organización de los diferentes conciertos y actuaciones.

ToteKing durante el concierto del sábado en la Fábrica de Tornillos .Derecha: exhibición de Bmx en las fiestas de septiembre 2008.

Durante las pasadas fiestas de septiembre, estos jóvenes deleitaron a todos los asistentes con un gran espectáculo de arte urbano en el parque Emiliano Bajo. "Como la cultura hip-hop está pegando bastante, decidimos hacer algo original en la ciudad mediante la actuación de bailarines de break-dance, grafitis y el bmx que nunca se había visto aquí". Pero, la idea va más allá ya que este grupo de jóvenes, creativos y con ganas de luchar por lo que les gusta, piensa en fomentar más aún actividades gratis en la calle, "al fin y al cabo ahí están las raíces de toda esta cultura", confiesa Adrián.

Preferencias musicales

El hip-hop rompe moldes y es uno de los estilos musicales más seguidos por los jóvenes aunque en Miranda aún no se ha adentrado del todo. "El problema que tiene esta cultura son los estereotipos fijados con la imagen o con la forma de vestir, pero no es necesario vestir para sentir el hiphop.

Algunos de nosotros pensamos que lo de la ropa es un engaño. Parece que llevamos la ropa de un pobre preso y, por el hecho de ser de marca, te cobran 70 euros, es algo que no cuadra", asevera Charli que al igual que Suko afirma que para aprender a rapear primero hay que saber escuchar. "No es cuestión de copiar pero todo vale para enriquecerse de cualquier influencia musical o estilo de rap. Creo que la ventaja del rap es que puedes adaptar cualquier tipo de música sea hardcorde, punk o jazz". Respecto a la posibilidad de realizar las llamadas 'batallas de rap' en Miranda afirman que todo está por llegar aunque ya realizaron una primera incursión con la iniciativa 'El micro libre' que contó con una buena acogida hace ya algún tiempo en un bar de la ciudad.

Los Dj,s fusionan todo tipo corrientes musicales. Uno de los participantes en las pasadas fiestas de septiembre.

La Asociación Juvenil Miranda Arte-Urbano cuenta con una página web en la que promocionan sus actividades. "En época de conciertos sobre todo se nota que la gente se interesa. Estamos hablando de cerca de 1.500 visitas mensuales en esta caso y, si no de cerca de 800. La utilizamos también a modo de información sobre los últimos discos y novedades del mercado o simplemente para que la gente suba sus maquetas o temas y poder escucharlos. Lo que también tiene mucha aceptación es nuestro foro".

Lo que está claro, tras hablar con estos jóvenes es que Miranda Arte- Urbano es una asociación sin ánimo de lucro, y que todo el dinero que consigue lo utiliza para mejorar los medios para llevar a cabo los eventos. En ningún momento "buscamos nuestro interés económico, sino nuestro interés por mejorar lo que vemos a diario y lo que nos rodea", lema que reflejan en su página web. Respecto a las próximas actuaciones programadas para los siguientes meses la intención es poder contar con la presencia de Rapsus Clay en marzo o abril o dar salida al punk en el mes de mayo con la actuación de 'Lehendakaris muertos'.

Qué es

Tras hablar de esta asociación de reciente creación en la ciudad les proponemos saber un poco más de los orígenes y la historia de esta cultura. El hip hop es un movimiento artístico y cultural que surgió en Estados Unidos a finales de los años 1960 en las comunidades afroamericanas y latinoamericanas de barrios populares neoyorquinos (Bronx, Queens y Brooklyn) donde desde el principio destacaron como manifestaciones características la música (funk, rap, Blues, DJing), el baile (hustle, uprocking, lindy hop, popping, locking) y la pintura (aerosol, bombing, murals, political graffiti).

Afrika Bambaataa acuñó el término hip hop en aquella época, aunque años más tarde KRS One, originario del Bronx, quiso unificar en cuatro los elementos del hip hop: el MCing (rapping), el DJing (turntablism), el breakdancing (bboying) y el graffiti. Hizo esto con la idea de simplificar la definición de hip hop; pero para muchos esto puede resultar incompleto, ya que existen otras manifestaciones que quedarían excluidas de esta clasificación, como el beatbox, los murales, el beatmakin o producción de fondos musicales ('beats'), el popping, el locking el uprocking etc.

El grafiti es la rama artística de esta cultura aplicada sobre superfices urbanas.

Break dance en la calle.

La unión de dos de los elementos, el MC (Master of Ceremony) y el DJ (Disc Jockey), conforman el estilo musical del hip hop: el rap. El 'bboying' es el baile popularmente conocido como breakdance.

La persona que practica este baile se denomina bboy, bgirl (fly girl). Existe una notoria diferencia entre un bboy y un breaker, el primero baila por cuestiones meramente culturales y por aportar elementos nuevos, inovando y llevando el nivel de dificultad a nuevas dimensiones. El breaker o breakdancero es la persona que baila solamente por animo de lucro y ó moda, no tiene conciencia del movimiento hip- hop genéricamente hablando, y no sabe la historia y fundamentos que un bboy debe saber.

Aunque, cabe mencionar que algunos bboys de tiempo completo, trabajan haciendo publicidad ó en tv, pero esto se justifica por los grandes avances que han dado a la cultura, no solamente dando exhibiciones para la gente sino contribuyendo con la creación de nuevos estilos.

El grafiti y el beatbox

El grafti es la rama artística (pictórica) de esta cultura aplicada sobre superficies urbanas. La estética de los graffitis ha influido en la historieta (como en las tiras de The Boondocks) y en el diseño de ropa, portadas de discos y otros objetos. Quienes practican esta faceta se denominan writers (escritores). Hay otros estilos de grafiti que no tienen por qué formar parte del grafiti en la cultura hip hop. Son: radical & political graffiti, street art & post graffiti y graffiti generado por ordenador.

El beatbox está inspirado en un arte originario de los mayas que consistía en imitar sonidos de la naturaleza con la boca y que resurgió en Nueva York como la técnica de emular sonidos de percusión o instrumentos propios de la música rap con la boca. Los practicantes de esta faceta se conocen como human beatbox o beatboxers. Se originó este arte en la época de los 80 porque los raperos no tenían suficiente dinero para comprar equipos de audio, entonces empezaron a imitarlos con la boca.

Un poco más de historia

El hip hop como tal, como música surgió a finales de los años 1960, cuando las fiestas callejeras o "block parties" se volvieron frecuentes en la ciudad de Nueva York, especialmente en el Bronx, debido a lo poco accesibles que resultaban para su gente los clubes y discotecas que había en zonas pudientes de la Gran Manzana, como The Loft y Studio 54. Las fiestas callejeras se acompañaban de funk y soul, hasta que los primeros DJ's empezaron a aislar la percusión y extenderla, puesto que la canción se volvía más bailable; esta técnica ya era común en Jamaica (en la música dub), lo que propició que la comunidad inmigrante jamaiquina participase en dichas fiestas. Esta adaptación de beats más tarde fue acompañada con otra nueva técnica fresca llamada rapping (una técnica de canto rítmica y basada en la improvisación).

Una figura destacada, considerada por muchos como el padre del hip hop, es DJ Kool Herc, que ocasionó, junto a otros DJ's como Grandmaster Flash, que dos de los elementos del hip hop nacieran y se desarrollaran. Por una parte, se creó la figura del "Maestro de ceremonias" (abreviado MC), que era el que presentaba al DJ. Poco a poco, la figura del MC fue adquiriendo más importancia ya que recitaba sobre los beats (ritmos de hip-hop) con textos cada vez más ingeniosos.

Al mismo tiempo, se empezó a bailar, reservando el mejor movimiento de baile para cuando la canción se paraba momentáneamente (es decir, cuando hacía un "break"). Este fenómeno originó el término B-boy (break-boy), que sería "el chico que usa el break", y así nació el movimiento breakdance.

A pesar de que los graffitis ya se realizaban en los años 1960 por razones políticas, no se incluyeron en la cultura hip hop hasta que, en los años 1970 y 1971, la ciudad innovadora en cuanto a grafitis pasó de ser Filadelfia, tomando el puesto Nueva York con los writers (escritores), llamados así por pintar, sobre todo, grandes letras de colores con sus seudónimos, entre ellos, los escritores más destacados fueron Phase 2, Seen y Futura 2000. El graffiti rápidamente se hizo un hueco en la cultura, puesto que no sólo permitía decorar las paredes con el nombre o el grupo del propio grafitero sino que también se empezaron a hacer graffitis que nombraban a crews o grupos de breakdancers, y a DJ's o MC's, a la vez que se pintaban las zonas donde se organizaban las famosas Block parties.

Raperos del 2000

Largo y tendido podríamos hablar sobre las estrellas de esta corriente musical pero vamos a nombrar a sólo unas pocas. A partir del 2000, el nombre que irrumpió con más fuerza en el mundo entero fue el de Eminem que, con The Marshall Mathers LP, vendió 9 millones de copias sólo en Estados Unidos. Además, ganó un Oscar a la "Mejor Canción" por su single "Lose Yourself" de la banda sonora de la película 8 Millas.

En 1999 colaboró muy activamente en el esperado álbum 2001 de Dr. Dre, en el que el single "Forgot About Dre" tuvo mucho éxito. Otro que alcanzó cifras no menos espectaculares fue Nelly, que en su debut con Country Grammar alcanzó los 6 millones de copias. Mientras dos mujeres lidereaban a escena ese año, Missy Misdemeanor Elliott con su tercer álbum Miss E... so Adictive con una mezcla de rap, pop y dance llego a los primeros lugares en el país.

Arte urbano

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglés street art, describe todo el arte expresado en la calle, normalmente de manera ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a otras formas diversas de expresión artística en la calle. Las ciudades que son puntos clave del arte callejero son París, Londres, Barcelona, Berlín, São Paulo y Toronto, entre otras.

Desde mediados del los años ९० el término street art o, de forma más específica, Post-Graffiti se utiliza para describir el trabajo de un conjunto heterogéneo de artistas que han desarrollado un modo de expresión artística en las calles mediante el uso de diversas técnicas (plantillas, posters, pegatinas, murales....), que se alejan del famoso grafiti.

El uso de plantillas (stencil), a menudo con un mensaje político, cobra especial relevancia en París en la segunda mitad de los años 60. Sin embargo, no es hasta mediados de los años 90, con la aparición de artistas como el norteamericano Shepard Fairey y su campaña "Obey" (Obey Giant) (Obedece al gigante), ideada a partir de la imagen del personaje de circo Andre The Giant y llevada a cabo mediante el uso de posters y plantillas, cuando las diversas propuestas de este tipo cobran auge en distintas partes del mundo y son percibidas en su conjunto como parte de un mismo fenómeno o escena.

El mensaje original de esta campaña fue nulo, se erigió haciendo referencia a sí mismo, sin otro significado de por medio. Sin embargo, desde mediados de los noventa ha sido una de la imágenes de cultura urbana más veces retomada por otros artistas. Se ha parafraseado a manera de homenaje y otras como ironía, pero ha servido como base importante para el desarrollo del arte callejero en todas las capitales del mundo.

Stencil en Buenos Aires, Argentina.

El arte callejero, al integrar sus elementos en lugares públicos bastante transitados, pretende sorprender a los espectadores. Suele tener un llamativo mensaje subversivo que critica a la sociedad con ironía e invita a la lucha social, la crítica política o, simplemente, a la reflexión. Sin embargo, existe cierto debate sobre los objetivos reales de los artistas que actualmente intervienen el espacio público.

danza moderna

Historia
Podemos dividir la historia de la danza moderna en tres periodos: el primero iniciado alrededor de 1900, la segunda en 1930 y el tercero al finalizar la II Guerra Mundial en 1945.

3.1 Primer periodo

Las tres primeras décadas de la danza moderna abarcan las carreras de las bailarinas estadounidenses Isadora Duncan y Ruth Saint Denis, y de la bailarina alemana Mary Wigman, precedidas por una etapa de reacción de muchos bailarines contra el vacuo espectáculo de los ballets del siglo XIX. Contemporáneas a esta reacción surgieron dos revelaciones que ayudaron a inspirar un tipo de movimiento más libre. Una de ellas fue un sistema de gestos expresivos y naturales desarrollado por un teórico del movimiento del siglo XIX, el francés François Delsarte, como una alternativa al amaneramiento tan común en el teatro. El otro era un sistema para enseñar ritmos musicales a través del movimiento corporal, creado por el educador musical suizo Émile Jaques-Dalcroze, que fue utilizado posteriormente como método de entrenamiento para bailarines.

Buscando dar a la danza una mayor fuerza comunicadora, los primeros bailarines de ballet moderno fueron más allá de la tradición dominante en Occidente —el ballet como se conocía a finales del siglo XIX— y llegaron a fuentes de inspiración más antiguas o no occidentales. Durante ese mismo periodo algunos coreógrafos de ballet, como el ruso Mijaíl Fokin, buscaron parecidas fuentes, reaccionando contra el ballet del siglo XIX con tanta fuerza como lo hicieran los bailarines del ballet moderno.

Isadora Duncan utilizó la escultura griega como origen del movimiento. Ella prefería bailar descalza a utilizar zapatillas y vestía con una sencilla túnica en lugar del encorsetado vestuario de ballet del siglo XIX. Localizando el origen del movimiento en el plexo solar, creó danzas que alternaban la resistencia y el abandono a la ley de la gravedad. Su respuesta a la música de compositores románticos como Frédéric Chopin y el húngaro Franz Liszt determinó el estilo de su coreografía.

Ruth Saint Denis recurrió al estilo de danza de India, Egipto y Asia como base para sus composiciones. Al igual que la Duncan, Saint Denis comenzó como bailarina solista, pero en 1915 formó la compañía Denishawn con su marido Ted Shawn. Formó bailarines para que interpretaran como ella lo hacía, combinando gran diversidad de estilos. Coreógrafos posteriores estadounidenses, como Katherine Dunham y Pearl Primus, continuaron con el trabajo de Saint Denis sobre los estilos étnicos.

Mary Wigman buscó en África y Asia oriental su inspiración coreográfica. Al igual que Saint Denis, presentaba trabajos de grupo y solistas. Junto a otros bailarines alemanes de ballet moderno, Rudolf von Laban, Kurt Jooss y Harald Kreutzberg, utilizó con frecuencia las máscaras. La subida al poder del Partido Nacionalsocialista Alemán del Trabajo en la década de 1930 terminó con el movimiento alemán de danza moderna (véase Nacionalsocialismo).

3.2 La década de 1930

Alrededor de 1930, en Nueva York, surgió la segunda ola de bailarines modernos. Entre ellos los estadounidenses Martha Graham, Doris Humphrey y Charles Weidman, que bailaron con Denishawn y con la bailarina estadounidense de origen alemán Hanya Holm que venía de la compañía de Mary Wigman. Estos bailarines rechazaron las fuentes de movimiento externas para favorecer las internas, es decir, recurrieron a las experiencias sobre actos naturales, como las acciones de respirar o de caminar, y los transformaron en movimientos de danza.

Martha Graham creó una técnica de relajación y contracción de la respiración normal (inhalar y exhalar). En sus primeros trabajos abstractos exploró el movimiento iniciado en el torso. A finales de 1930 se interesó por la estructura narrativa y el tema literario. Junto al escultor estadounidense de origen japonés Isamu Noguchi creó ambientes narrativos que eran a la vez místicos y psíquicos. Interpretaba papeles femeninos que se enfrentaban a momentos de crisis, mientras sus bailarines representaban los aspectos del ego en crisis de la protagonista.

Doris Humphrey extrajo su técnica de caída y recuperación de la dinámica natural de la pisada humana y del influjo de la fuerza de la gravedad. Esta técnica se convirtió en una metáfora de la relación del individuo con una fuerza superior, ya sea un grupo social o una presencia espiritual. Después de que Humphrey dejara de bailar y disolviera la compañía que había formado con Charles Weidman, continuó realizando coreografías para su protegido, el bailarín y coreógrafo estadounidense de origen mexicano José Arcadio Limón. Las fuentes coreográficas de los últimos trabajos de Humphrey fueron los gestos y las palabras en lugar de sus propias experiencias con el movimiento. Hanya Holm experimentó con mayor variedad de estilos que Graham o Humphrey. Creó danzas humorísticas y danzas de contenido social, como hizo Weidman. Al principio de la década de 1940 también hizo coreografías de musicales y fue de las primeras en incorporar la danza moderna al repertorio de los escenarios de Broadway.

Durante la década de 1930 los coreógrafos definían a la danza moderna en oposición al ballet. Mientras la primera quedaba establecida como una técnica con su propia coherencia interna, el ballet era definido por la reafirmación de los dogmas esenciales de su tradición

Evolución desde 1945

El tercer periodo de la danza moderna empezó al terminar la II Guerra Mundial en 1945 y aún continúa. Bailarines estadounidenses, como Alwin Nikolais, Merce Cunningham, James Waring, Paul Taylor, Alvin Ailey y Twyla Tharp, se inspiraron en la diversidad de estilos de danza del siglo XX. Sus trabajos combinan y fusionan técnicas extraídas de la danza social, el ballet y la danza moderna. (En los años que siguieron a la II Guerra Mundial, los coreógrafos de ballet clásico utilizaban con la misma libertad la danza moderna).

Merce Cunningham revolucionó la danza convencional al fusionar la técnica de Graham con el ballet tradicional, localizando la fuente del movimiento en la columna vertebral. Estructuraba el movimiento a través de métodos aleatorios y consideraba la música y el decorado como independientes de la danza. Sus obras descubren a bailarines que, individualmente, experimentan sobre su relación con el tiempo presente y el espacio abstracto, en lugar de hacerlo con la historia y el lugar.

James Waring y, más recientemente, Twyla Tharp han trabajado con compañías de ballet clásico y con sus propias compañías de ballet moderno. Junto a Paul Taylor y Alwin Nikolais, emplearon el humor en sus coreografías, al hacer parodias sobre su propio estilo y sobre otros tipos de danza.

Tharp empezó su carrera dentro de la vanguardia de la década de 1960. Durante este tiempo de conflicto social, los bailarines estadounidenses Yvonne Rainer, Trisha Brown, Meredith Monk y otros crearon trabajos en el límite de lo que se puede considerar danza. Se interesaron por las actividades cotidianas, la manipulación de objetos y de medios de comunicación. Aunque sus trabajos fueron aceptados, pocos alcanzaron el éxito de Tharp.

La danza moderna (o posmoderna) de mediados de 1980 no se interesa por las técnicas tradicionales y se apoya en elementos teatrales y en recursos pictóricos y literarios. El Tanztheater, fundado por la coreógrafa y bailarina alemana Pina Bausch, ha presentado largos espectáculos combinando medios de comunicación audiovisuales como en Los siete pecados capitales (1976), inspirada en la tradición de la danza expresiva de Kurt Jooss. Otros notables bailarines posmodernos son los estadounidenses Mark Morris, quien trabajó con Twyla Tharp, y el bailarín de ballet clásico Elliot Feld; también hay que mencionar a Karole Armitage, bailarina y coreógrafa de The Molino Room (1986), que bailó con Mijaíl Baryshnikov y el American Ballet Theatre en 1986. El trabajo de Armitage se caracteriza por movimientos que imitan a los insectos y por violentas confrontaciones. Entre las obras creadas para su propio grupo está In the Watteau Duets (1985), que mezcla el baile de puntas con movimientos de torso, dentro del estilo de Merce Cunningham. También ha suscitado mucho interés un grupo de bailarines japoneses formados en la danza clásica y moderna llamados Sankai Juku. Su trabajo está basado en el butoh, forma de danza-teatro que evita la coreografía estructurada y se esfuerza por expresar emociones primitivas utilizando la mínima cantidad de vestuario y movimiento. En sus espectáculos, los bailarines se suspenden boca abajo de cuerdas y son bajados lentamente mientras sus cuerpos se van desenrollando.

Graffiti

Desde hace más de 40 años, la práctica de la escritura graffitera se ha dedicado a insuflar en vida a las letras del alfabeto. Los artistas graffiteros han desarrollado infinidad de estilos y de variaciones formales para dotar de personalidad a la estructura predefinida de cada letra, que sólo puede alterarse hasta cierto punto para que siga siendo legible. El escritor trabaja habitualmente con un grupo limitado de letras conectadas -a menudo las que componen su nombre- y pocas veces diseña las letras de forma separada. Por lo tanto, el reto de crear un alfabeto completo no es despreciable.

El escritor de graffiti hace algo más que comunicar la existencia de un nombre. Su escritura tiene un carácter propio. El modo en que las letras están diseñadas y conectadas entre sí muestra el estilo del artista y refleja la personalidad del escritor de graffiti.

Durante más de cuatro décadas, esta exposición pública de nuevas letras y formas ha influido en el diseño, la publicidad y el arte. Muchos de los artistas que aparecen en este libro trabajan en estudios en los que han dado el salto del graffiti al diseño tipográfico, pero todos ellos encuentran sus raíces en la cultura graffitera.

El reto

Para la realización de este libro se lanzó un reto a diferentes escritores de graffiti de todo el mundo: diseñar las 26 letras del alfabeto latino. El resultado es una variada muestra que refleja la particular interpretación del conjunto de letras por parte de cada artista. Un total de 154 alfabetos con estilos que van desde el clásico old-school a modernos diseños tipográficos.

El objetivo de Alfabeto graffiti es que sirva de guía para aquellos recién llegados al mundo de este arte urbano, de colección intemporal para los expertos en el tema, pero también como fuente de inspiración para los diseñadores tipográficos.

La autora

Claudia Walde, conocida como MAD.C Diseño de comunicación en su Alemania natal. Grafitera e incansable trotamundos, encuentra la inspiración para su trabajo en sus viajes alrededor del globo. Este libro es el resultado de una investigación de más de cinco años desarrollada en distintas ciudades. Es autora también del celebrado Sticker City. Paper Graffiti Art (2007).

bailes callejeros

Desde tiempos remotos el cuerpo, la danza y el movimiento fueron medios que el hombre utilizó para expresar sus sentimientos y emociones. A lo largo de la historia adquirió distintas formas y funciones.

Desde tiempos remotos el cuerpo, la danza y el movimiento fueron medios que el hombre utilizó para expresar sus sentimientos y emociones. A lo largo de la historia adquirió distintas formas y funciones. Acompañando acontecimientos sociales como el nacimiento, la consagración de los jóvenes, el matrimonio, la muerte, o asociada a lo religioso, la danza en distintas culturas, está presente como una necesidad primordial del hombre.

En los años 70 en el sur del Bronx, Nueva Cork, los jóvenes de la comunidad latina y afro americana con una larga historia de pobreza y marginación, guiados por la necesidad de bailar y al no poder acceder a los estudios de danza desarrollaron un estilo de danza en las calles. Esta danza formó parte de un estilo de vida alternativo a las bandas delictivas y a la violencia, brindándoles la posibilidad de establecer lazos sociales y de expresarse de una manera creativa y no violenta.


Street dance (SD) es el termino que se utiliza para describir estos estilos de danza que por naturaleza son danzas sociales, de mucha improvisación y contacto con el espectador y entre los bailarines.


Características

Contrariamente a otras formas de danza la mayoría de las SD alientan la creatividad y originalidad individual. Los bailarines interpretan libremente los movimientos ya existentes, improvisando y creando nuevos. La improvisación es el corazón de las danzas de la calle es por eso que la danza está en constante desarrollo. Muchas SD incluyen encuentros o duelos conocidos como jamming. Los Jamm son un tipo de espectáculo informal que ocurre dentro del marco de una danza social. Los bailarines forman un círculo y por turnos, solos o en parejas, muestras sus habilidades mientras los otros observan y deciden quién es el ganador.


Estilos

Generalmente SD esta asociada al funk y al hip hop. Sin embargo son muchos los estilos que involucra: Breakdance, Hip hop, Krumping, Liquid dancing, Locking, Popping, Robot, Tutting, Uprock.

El Hip hop formó parte de un Movimiento cultural que se dice que comenzó con el trabajo del DJ Herc. El termino "hip hop" se cree que ha sido utilizado por primera vez en la canción "Rapper's Delight" de The Sugarhill Gang (1979)

Breakdance conocido también como breaking o b-boying, incluye parte de los movimientos del hip Hop. Breaking es uno de los 4 elementos de la cultura Hip Hop, los otros tres son MCing (rapping), DJing, (Disc jockey) y el graffiti.

Popping consiste en la contracción y relajación rápida de los músculos para causar un impulso en el cuerpo del bailarín relacionado con un golpe. Es realizado continuamente siguiendo el ritmo de una canción en combinación con otros estilos de movimientos de mímica.

Locking se caracteriza por rápidos y distintos movimientos de manos y brazos combinados con movimientos mas relajados de piernas y caderas. Los movimientos son generalmente largos y exagerados, frecuentemente rítmicos y sincronizados con la música. Suele estar más ligado a la performance con mayor interacción con el público (sonriendo y "chocando los cinco" ) Originariamente se bailaba con música funk tal como la de James Brown. El nombre esta basado en los movimientos que básicamente consisten en congelar luego de un movimiento rápido o llegar a determinada posición sosteniéndola por un corto lapso de tiempo para luego continuar con la misma velocidad que antes. Incluye movimientos acrobáticos y de destreza física como aterrizadas con las rodillas o con abertura de piernas total.

Popping y locking son consideradas danzas funk mas que de hip hop pero hoy están totalmente asociadas y comparten muchos elementos de las SD.